Akito Nara’s artistic journey began in New York in 2014.

　From the colors, brushstrokes, and chance-driven irregularities created through the unpremeditated application of paint, Nara freely draws forth landscapes. While gathering the sensations and messages that emerge in the moment of creation, his works move from personal memory toward fragments of memory that transcend the individual, traversing the pictorial space. Rejecting fixed procedures and established styles, Nara embraces their very absence as his own mode of expression. By faithfully surrendering to his state of being at each moment, and by positioning himself as an open and unguarded medium beyond the limitations of his former self, he generates paintings that are light, fluid, and free. This attitude lies at the core of his practice. Although each work appears to possess a distinct expression, a single thread of light emanating from Nara’s inner world runs through them all, quietly sustaining a consistent wavelength and deep interconnection. This continuity reflects his view of life and existence, materializing his way of moving forward through continual, spiral-like transformation—an embodiment of his life itself rendered through art. Standing in the liminal spaces between the unconscious and the conscious, abstraction and figuration, his works awaken and visualize the resonance between one’s inner universe and the external world. The rich colors, compositions, and movements of his brushwork—guided by intuition and curiosity—carry a sense of spontaneity and boldness, while carefully arranged moments of gentleness and comfort create an overall harmony that feels both fluid and cyclical.

　The point of origin for Nara’s creative practice was the great metropolis of New York. Surrounded by diverse art, design, and music, and immersed in a city where multilayered urban cultures intersect, he began to rediscover the relationship between himself and the world. —A form of creation beyond imagination, nurtured through destruction and regeneration. The raw, tangible bustle of the streets coexists with the dignified stillness found within museums. Standing between these opposing atmospheres, Nara excavated the contours of his own sensibility. From punk culture, he absorbed an aesthetic grounded in dismantling existing frameworks and conventional norms. From hippie culture, he opened himself to a sense of scale attuned to the invisible, along with an appreciation for harmony and balance. All of these influences settled within him, resonating with his ongoing process of self-exploration, and eventually flowed outward onto the canvas, taking shape as color and form.

　Underlying Nara’s sensibility is a deep curiosity for the unknown—shaped in childhood through a love of painting, Western rock music, and science fiction cinema. The expansive landscapes of Hokkaido, his encounters with Ainu culture, and contemplative time spent in temples have quietly informed the spiritual dimension of his work. This foundation is further enriched by the logic and color sensibility developed in his academic years, allowing an organic interplay between reason and intuition to structure his visual language. His works thus become more than painted surfaces; they are dimensional spaces where inner exploration and an outward gaze converge in layered harmony—extending beyond the visible into something felt.

　For Nara, art is a continuous cycle—both a living process and a metaphor for existence itself, containing within it the gentle tremor of life. Emerging from accumulated experience and still reflection, it is an ongoing attempt to approach the origin of being—a space where the soul’s phase can quietly be released. Within this realm, free from intention or control, visions of the universe (Heart) and the world (Earth) are rendered in their raw essence. His practice draws from a constellation of sources—Eastern and Western philosophy, aesthetic contrasts, quantum cosmology, history, science, religion, literature, mythology, contemporary art, animation, and subculture. While not pursued academically, these fields serve as doorways through which he reflects, studies, and dialogues internally. From these contemplations arise fragments and fluctuations—delicate sparks of inspiration that brush against the essence of the world and the fragile threshold of human existence.

　To those who encounter his work as a window, and who are willing to drift through the layers that veil their own sensibilities, a descent into deeper interiors begins. Between the visible and the unseen, the infinite and the finite, zero and one—there hovers a bridge, like a spectrum of light. Nara’s art is not confined to the visual; it permeates consciousness, stirring resonance that transcends time and space. In an age consumed by materialism, performance, and technological acceleration, his work gently reilluminates the forgotten beauty of life with a heart. Even as he observes the waves of modern life—efficiency, information saturation, the flattening of values—he continues to trace the elusive rhythm of life itself, painting from the true palette of the heart.


　Akito Naraのアートジャーニーは2014年、ニューヨークで始まった。

　無作為に塗布された絵具の色彩や筆跡、その偶然性に満ちたムラの中から、Naraは自由に光景を立ち上げていく。制作の瞬間に立ち現れる感覚やメッセージをすくい取りながら、個人的な記憶を起点に、やがては個を超えた記憶の断片までもが画面上を行き交う。彼は定着した工程や固定的なスタイルをあえて持たず、それら不在そのものを自身のスタイルとしている。その時々の自己の状態に誠実に身を委ね、過去の自分という制限を超えた素直な媒介として、軽やかで自由な絵画を生み出していく姿勢が、作品の根幹を成している。一見すると異なる表情を持つそれぞれの作品には、Naraの心から放たれる一本の光の筋が通い、一貫した波長と深い連関が静かに息づいている。それは彼の生命観であり人生観でもあり、螺旋状に変容を重ねながら前進していく自身の在り方を、アートとして具体化する試みとなっている。作品は、無意識と意識、抽象と具象といった境界の「あわい」に立ち、人の内なる宇宙と外界との呼応を呼び覚まし、可視化する。豊かな色彩や構成、筆触の運動は、閃きや好奇心に導かれた即興性と大胆さを湛えながらも、心地よさや優しさが丁寧に配置され、全体として循環した調和を奏でている。

　Naraの創作の起点となったのは、大都市ニューヨーク。多彩な人種によるアートとデザイン、そして音楽。多層的な都市文化が交錯するこの街で、彼は自己と世界との関係性を新たに見出していく。——破壊と再生によって育まれる想像を超えた創造。街に混在するリアルな雑踏、美術館には気品溢れる静謐な空気。相反する気配の狭間で、Naraは自らの感受性の輪郭を掘り起こしていった。パンクカルチャーから受け取ったのは、既存の枠組みや常識という構造を疑う美学とエネルギー。ヒッピーカルチャーからは、目に見えない領域への視座や宇宙の法則的な美しさへの感度を開いた。それらすべては、彼の内面で繰り返されてきた自己探究の歩みと呼応しながら沈殿し、やがて色彩やかたちとなって画面へと流れ出していく。

　感性の背景には、幼少期に親しんだ絵画や洋楽ロック、SF映画などから影響を受けた、未知なる世界への純粋な興味がある。また、両親のルーツにある北海道の原風景で触れた雄大な自然、アイヌ文化や寺院での時間たちは、Naraの精神の輪郭を育んだ。さらに学生時代に培った論理的思考とサイエンスや、色彩とバランスに対する知見が加わることで、感性と理性の間には独自の構築の妙が生まれ、彼のスタイルを豊かに支える基盤となった。そうして彼の作品は、内側への探求と外界への眼差しとが響き合いながら、“面”の次元を超えた、奥行きと重層性をたたえる特異な“場”として立ち現れる。

　NaraにとってARTとは、宇宙に存在する生命すべての循環過程そのものであり、その「揺らぎ」を内包した生命のメタファーである。「生きる」とは「感じる」ことと同義なように、この地球（Earth）から派生したこの心臓（Heart）とこの心情（Heart）が持ち合わせた絶対的な働きを繋ぎ、愛や感謝といった根源的なギフトに広がる経験と内省の積層から醸成される表現は、自分のみならず全ての存在の源に触れようとする試みとなり、本来の自分、言わば魂の位相を解き放つ為の場となる。打算や思惑から離れた純度の高い空間には、個だけが抱える宇宙観（Heart）と世界観（Earth）が、我がままに投影される。——ARTの本質は市場ではなく、内なる衝動が導くもの。

　観る者もまた、Naraの作品をひとつの“窓”として、自身の固定観念を覆うレイヤーを泳ぎ抜いたとき、深層の広がりへと静かに降りていく。見えるものと見えないもの、有限と無限、0と1——その狭間に浮かぶ虹のような橋を渡りながら。物質至上主義や成果主義を信奉し、効率化とともに孤立化が加速する現代において、「心の色彩」は失われつつあるのかもしれない。多様性という表層の下に価値観はむしろ均質化されてゆく社会で、真の“違い”や本来の“個”の響きは埋もれてゆく。アートもまた、流行や社会性、政治的な文脈や概念に絡め取られ、その本質からは遠ざかっているように感じられる。

　理屈ではない。根源にあるもの――それは、言葉にならない「問い」。誰とも完全には分かち合えない「感情」。それでも世界と触れ合おうとする「感性」。そして、存在の証として刻まれる「痕跡」のようなものたち。それらは呼吸のように立ち上がる、名づけようのない“いのちの波紋”。目には見えずとも、壮大に脈打つ宇宙とのつながりにほかならない。Naraの創作は、単なる視覚体験にとどまらず、こうした本源的な衝動と向き合う、アクチュアルな実践である。「純真な感性への回帰」を導くその表現は、アートに宿る“癒いし”や“目覚め”の力を再び息づかせ、視覚芸術に流れる透明な可能性に、光をそっと照らしてゆく。

Biography

2010年 東京都市大学工学部　宇宙システム研究室　卒業　　　　　　　　　　　2010 Graduated from Tokyo City University, Faculty of Engineering, Space Systems Laboratory

2012年 東京デザイン専門学校　空間デザイン科　卒業　　　　　　　　　　　　2012 Graduated from Tokyo Design College, Department of Space Design

2012年 横浜から単身アメリカのニューヨークへ渡る　　　　　　　　　　　　　2012 Moved alone from Yokohama to New York, U.S.A.

2014年 ブルックリンを拠点に独学による絵画の製作を始める　　　　　　　　　2014 Started self-taught painting based in Brooklyn

2017年 初出展そして作品の販売をスタート　　　　　　　　　　　　　　　　　2017 First exhibition and sales of works started

2020年 ニューヨークのギャラリー街チェルシーで個展を開催　　　　　　　　　2020 Solo exhibition at Chelsea in New York's gallery district

2020年 アメリカを離れ日本と自己探求のため帰国　　　　　　　　　　　　　　2020 Leaves the U.S. to return to Japan and self-exploration

2022年 東京に拠点を移し創作活動を開始　　　　　　　　　　　　　　　　　　2022 Moves to Tokyo and begins creative activities